ORLAN: una artista que desafía a la belleza y la muerte

Orlan, La caída de la metáfora: cuando lo real se adueña de la escena.
Orlan no es su nombre, su rostro no es su rostro y su cuerpo ya no es su cuerpo. Orlan es una artista francesa nacida en Saint-Etienne, pero vive y trabaja en New York, Los Angeles y París. Famosa por su trabajo en la cirugía estética en los años noventa, hizo de los quirófanos su centro de estudio, tratando su cuerpo como su principal marco de expresión. Un trabajo que está en constante evolución y innovación.

La obra de Orlan nos enfrenta a un problema de notable complejidad. Orlan es el paradigma de la artista inteligente, capaz de elaborar un discurso coherente y con una interesante trayectoria. Con esos antecedentes, comienza nuevas obras en las que desborda peligrosamente los límites del arte y cae en picada en terrenos farragosos en los que hunde su capacidad creativa, al exhibir su cuerpo desgarrado. Su propuesta estética constituye un fenómeno social y mediático. Creo que merece estudios de tipo antropológico y cultural, pero a mi entender, su obra excede los dominios del arte.

La artista tiene la capacidad de movilizar los espacios museísticos más importantes, como el Centro Pompidou y es convocada en las principales bienales para exhibir una obra que merece una reflexión. Nacida en Francia en 1947, Orlan es una artista multimediática que desde 1965 viene realizando audaces performances, en las que ubica a su propio cuerpo como eje protagónico de la obra. Durante 10 años trabajó sobre el tema de la identidad femenina a través de la iconografía cristiana, utilizando su propia imagen en un contexto barroco profundamente herético. (Orlan vestida de monja ofreciéndose eróticamente).

En 1990, realizó una performance en Newcastle, Inglaterra denominada " La Reencarnación de Saint Orlan". La artista hace un juego de palabras santo-santa continuando con una estrategia de fusión-confusión de sexos con relación a sí misma. En una búsqueda celebratoria de nuevas identidades, inicia una serie de operaciones quirúrgicas (diez hasta hoy) con distintos cirujanos y en diferentes países. La artista dirige desde el quirófano las intervenciones realizadas bajo anestesia local ante la vista de fotógrafos, cámaras de televisión, de acuerdo a una minuciosa planificación. Cada nueva operación es un paso más hacia la transformación de Orlan, que intenta unir arte y vida con su trabajo. Define su obra como un arte carnal que denuncia las presiones sociales ejercidas sobre el cuerpo femenino, considera caduca nuestra noción del cuerpo y propone un uso de la tecnología aplicado a la vida humana donde todo pueda ser intercambiable y renovable para lograr un ser humano "más feliz". Su obra se pronuncia en términos utópicos. Las operaciones son especialmente musicalizadas, el staff quirúrgico lleva ropa creada para la ocasión por diseñadores como Paco Rabanne o Issey Miyake, a veces Orlan usa máscaras de teatro, disfraces, lee poesías o textos durante las intervenciones. (Antonin Artaud, Julia Kristeva, etc. Fue operada en Europa y E.E.U.U. y planifica la próxima intervención en Japón donde habrá de crearse mediante complicados implantes injertados, una nariz como las de los clásicos frisos griegos que nace aparentemente de la frente. Orlan trata su propio cuerpo como si fuera un material cualquiera que un artista puede manipular a su antojo. Su carne abierta deviene espectáculo, el cuerpo es equivalente a la tela como soporte sobre la que se gesta la obra.

Controvertido proyecto de arte en Alemania

Berlin, Alemania.- Dos artistas alemanes hicieron un polémico experimento en Berlín que llevó al límite el funcionamiento de la democracia, que incluyó un llamamiento público a decidir la vida de una oveja llamada Norbert, lo que desató un gran escándalo.

Los artistas Iman Rezai y Rouven Materne, estudiantes de maestría de la Universidad de las Artes en Berlín, construyeron la obra “La guillotina” en colores brillantes e hicieron un llamado público en Internet a decidir sobre la vida del animal.

El ensayo desató una ola de atención mediática, pero también numerosas protestas.

ARTE Y EDUCACIÓN

“Creemos que las condiciones están dadas como nunca para el cambio social, y que la educación será su órgano maestro. Una educación, desde la cuna hasta la tumba, inconforme y reflexiva, que nos inspire un nuevo modo de pensar y nos incite a descubrir quiénes somos en una sociedad que se quiera más a sí misma. Que aproveche al máximo nuestra creatividad inagotable y conciba una ética- y tal vez una estética- para nuestro afán desaforado y legitimo de superación personal. Que integre las ciencias y las artes a la canasta familiar, de acuerdo con los designios de un gran poeta de nuestro tiempo que pidió no seguir amándolas por separado como a dos hermanas enemigas. Que canalice hacia la vida la inmensa energía creadora, que durante siglos hemos despilfarrado en la depredación y la violencia, y nos abra al fin la segunda oportunidad sobre la tierra que no tuvo la estirpe desgraciada del Coronel Aureliano Buendía. Por el país próspero y justo que soñamos: al alcance de los niños.” G. García Márquez.

Arthur D. Efland -en su libro Una Historia de la Educación Del Arte- manifiesta que "la enseñanza de las artes visuales viene asociada a ciertas tendencias elitistas. Muchas escuelas contemplan las artes como materias especiales reservadas a unos pocos dotados de privilegios o talentos especiales". 

El tema de la educación, es sin duda parte fundamental de toda la problemática en el desarrollo de la sensibilidad artística del hombre. En nuestro sistema educativo encontramos una serie de dogmas que refuerzan posturas deterministas en el ser humano, uno de los principales es la estática idea de que el artista nace, no se hace, y es por ello que la enseñanza, tanto en colegios, como en instituciones de educación superior, va dirigida solamente a los aspectos técnicos y la acumulación de conocimientos históricos por parte del estudiante.

El COSMOS de Rosemarie Trockel

La artista alemana Rosemarie Trockel (Schwerte, 1952), presenta en el Museo Reina Sofía su particular asociación entre objetos, ideas y autores hasta conformar un 'cosmos' heterodoxo en el que caben cerámicas cuadros tejidos y piezas confeccionadas en lana, además de sus "books drafts" o cuadernos de notas y otras clases de documentos.

 La obra de Rosemarie Trockel (Schwerte, 1952) es pura heterodoxia. La polifacética artista alemana lleva más de tres décadas explorando todas las posibilidades creativas sin acomodarse a ningún patrón estético, escuela o ismo. Fruto de esta solitaria aventura es una de las obras más singulares e inclasificables del arte europeo del último medio siglo. Una compleja singladura que el museo Reina Sofía recorre ahora en la exposición 'Un cosmos'. Reúne casi centenar y medio de las heteróclitas piezas de Trockel confrontadas a otro medio centenar largo de obras un puñado de artistas excéntricos de muy distintas épocas e intereses pero tan solitarios y raros como ella. Creadores singulares, 'outsiders' de ayer y de hoy, elegidos por Trockel en función de la afinidad y la sintonía emocional que evidencian las propias piezas.

 Espíritus afines

El título que ha dado a esta gran retrospectiva lo toma Torckel del ensayo que el gran naturalista Alexander von Humboldt (1769-1859) dedicó al descubrimiento de América y que tituló 'Kosmos'. "Al atribuir Humboldt el mérito del descubrimiento a Colón, se fundamenta en el argumento del progreso, como resultado del conocimiento acumulado" se justifica Trockel.

8º Festival Mundial de Danza: solos y duetos esta semana en Caracas

El cuerpo de los bailarines nacionales e internacionales reunidos en Venezuela, a propósito del Festival de Danza Solos y Duetos, se expresó sobre las tablas de la sala Ríos Reyna del Teresa Carreño, el sábado 19 y domingo 20 de mayo.

Finlandia, España, México, Uruguay, Paraguay, Cuba y Venezuela son los protagonistas del 8vo. Festival Mundial de Danza Solos y Duetos 2012, importante encuentro que reúne a coreógrafos e intérpretes del movimiento danzario.Las compañías internacionales participantes son: Delfos Danza Contemporánea (México), Foramen M (México), Dos Proposiciones Danza Teatro (España), Bikini.Ducc (España), las coreógrafas Alejandra Díaz y Antonella Scavone (Paraguay), Compañía Rosario Cárdenas (Cuba), Danza Espiral de Matanzas (Cuba), Danza Contemporánea de Cuba y Compañía Complot (Uruguay).

Venezuela, anfitriona de esta gran fiesta, intervendrá con las agrupaciones Fundadanza (Sucre), Danzaluz (Zulia), Alexander Ventura (Zulia), Puro Pie Danza Contemporánea(Táchira), Valencia Danza Contemporánea (Carabobo), Yuxtadanza (Falcón), Azudanza (Zulia), Danza Terpsis (Mérida), Danzata (Portuguesa/Mérida), Concierta Danza (Aragua), así como los colectivos capitalinos de gran trayectoria, entre ellos: Agente Libre, Sarta de Cuentas, Taller de Danza Caracas, 100 % Impro, Caracas Roja Laboratorio, Arte en Movimiento, Kolpos (Cuba), el bailarín independiente de danza urbana Winston Phillips, Compañía Universitaria de Danza (UNEARTE), Ballet Teatro Teresa Carreño y la Compañía de Danza Contemporánea de la Fundación Compañía Nacional de Danza.

 Para este martes 22 de mayo, las actividades comenzarán a las 4:00 pm, en el Teatro Teresa Carreño; sin embargo, la fiesta del movimiento continuará en la Sala Juana comenzarán de la FCA, desde las 7:00 pm, con el repertorio de la Compañía Adam Darius, proveniente de Finlandia 

Zulia, Carabobo, el Distrito Capital y Finlandia estrecharán sus cuerpos para deleitar la mirada de quienes se acerquen al Teatro Teresa Carreño (TTC) o a la Fundación Casa del Artista (FCA) para ser partícipes de este Festival Mundial de Danza.

Espera abrirse la gala hoy con el dueto "Instantes efímeros", del zuliano Alexander Ventura, que presentará al público “cuerpos cruzados y gastados de la oportunidad vivida y pérdida, huellas vulnerables e inestables de un instante que pasa ante los ojos y se pierde en una estela dejada al paso”, informó la Fundación Compañía Nacional de Danza (FCND), mediante un comunicado de prensa. El segundo número será Tejedoras, de Valencia Danza Contemporánea. Según la agrupación la pieza está inspirada en el personaje Penélope, de la novela épica La odisea, escrita por Homero. La FCND participará con Meraviglioso, presentación que conjugará danza, teatro y cine para evocar la herencia italiana en América Latina .

Del 21 al 26 de mayo, se realizarán talleres y clases magistrales en el Teatro del Oeste, sede de la Fundación Compañía Nacional de Danza, ubicada en la estación metro Caño Amarillo. La clausura será el próximo 27 de mayo de 2012, a las 3 pm, en los espacios abiertos del Teatro Teresa Carreño.

Museo Reina Sofía muestra una recopilación del realismo existencial

El Museo Reina Sofía reformula su colección y presenta en la cuarta planta del edificio Sabatini un elenco de artistas que basan su obra en la realidad. Entre ellos figuran nombres como Bacon, Guston, Dario Villalba o Luis Gordillo y a los que se suman obras de artistas nunca antes expuestas o escasamente exhibidas en el Museo, como es el caso de Villalba, Genovés, Dian Arbus, Vostell o Kitaj.

La colección de arte de un museo siempre tiene algo de mapa inacabado. Y su exhibición, una sucesión de miradas que se complementen. O se superpongan. O se nieguen. Hay algo de capricho en el porqué se cuelgan unas piezas y se 'apartan' otras. Pero cabe siempre la capacidad de corregir, de recuperar, de releer. Es lo que ha hecho el director del Museo Reina Sofía en el reestreno del espacio denominado 'Colección II', en la cuarta

Universidad cubana otorga Honoris Causa en Arte a Hermann Nitsch

Venir a Cuba siempre me interesó, y pienso que en algún lado de mi corazón pertenezco a este país, expresó el artista austriaco Hermann Nitsch al recibir el título Doctor Honoris Causa en Arte.

Invitado a la XI Bienal de La Habana, el destacado pintor, escritor y compositor dijo sentirse orgulloso y feliz de recibir tan alto galardón de Cuba, que ha sabido entender su arte, calificado por los especialistas como revolucionario y trasgresor de los cánones establecidos.

El famoso y polémico artista austriaco puso en práctica una controvertida acción plástica denominada Aktion135 en el campus de la Universidad cubana de las Artes, una acción en la que mezcló diferentes expresiones de la creación artística con rituales y tradiciones muy controversiales, en la que reúne sacrificios de animales, mezclas de vísceras con frutas y una especie de baño lustral, con la sangre de las víctimas, a personajes desnudos y crucificados o vestidos de blanco, .presentado a partir del depurado vigor constructivo, como reza en el dictamen del Honoris Causa.

Según declaró en varias oportunidades, con esta forma de arte pretende que las personas hagan catarsis y dejen de obsesionarse con la violencia y las guerras existentes en la actualidad.

“Aktion 135″ resulta un espectáculo, del corte primer mundista que impone el hegemonismo cultural de Occidente, donde, también es cierto, se ha ganado la aversión de ecologistas y sociedades protectoras de animales, y que para la sensibilidad generalizada de esta parte del mundo, clasifica como algo morboso y fundamentalista.

Esta vez marcó la diferencia el que sus colaboradores fueron entusiastas estudiantes del ISA, entre las frutas usadas aparecían mameyes, papayas y naranjas, y la música fue interpretada por la Orquesta Sinfónica del plantel cubano, del Septeto Nacional Ignacio Piñero y ejecutantes del Grupo Síntesis. Resaltó el entusiasmo y la sensibilidad de los estudiantes que lo ayudaron en la realización de su performance, experiencia de este tipo pocas veces vividas por él. Estos jóvenes, subrayó, aún mantienen vivas sus raíces y el contacto directo con la naturaleza.En sus palabras de agradecimiento, el creador del teatro de Orgías y Misterios, también manifestó su deseo de regresar a Cuba para impartir un ciclo de conferencias en la casa de altos estudios.

Filthy Luker: Vida inflable invadiendo lo urbano.

El colectivo británico Filthy Luker realiza llamativas obras de arte con esculturas gigantes inflables.

Exhibiciones artísticas cada vez más alternativas y atractivas. ¿Se imaginan un gigantesco pulpo invidiendo su casa o unos conos de tráfico que cobran vida? Son algunas de las iniciativas que han creado los dos artistas británicos Luke Egan y Pete Hamilton también conocidos como Filthy Luker. El Circo del Sol ha contado con ellos el algunos de sus espectáculos. Uno de sus últimos trabajos ha sido trasformar una fachada de un edificio en un inmenso vídeojuego.

Aire, tela hinchable y... de repente un edificio es atacado por un pulpo gigante. Enormes tentáculos verdes que también se han visto en trampolines de piscinas o fuentes públicas.

 Nuestras obras son chistes llevados demasiado lejos”. Así definen sus intervenciones los artistas británicos Filthy y Luker. Comenzaron a trabajar en 1996 y los ingredientes principales de su trabajo son el aire, la luz, el tejido sintético, mucha imaginación y sobre todo humor. Ambos poseen una empresa llamada Diseños en el aire con la que, junto al también artista Pedro Estrellas (que realmente se llama Peter Stars) crean esculturas inflables y luminosas que alquilan

 o venden para eventos de empresas. Pero lo más interesante son sus apariciones espontáneas y públicas que realizan por diversas ciudades del mundo desde hace años. Así han logrado convertir todo un barrio en el fondo del mar, han transformado el enorme lado del andamio de una obra en un juego de marcianitos o han metido un pulpo gigante en edificios de más de cinco plantas.

La Galería y el Museo hoy día.

El modelo económico actual es claramente nocivo para cualquier área de la actividad humana salvo para la puramente económica o financiera.

Hay inquietudes que surgen en momentos como los de hoy día cuando obras maestras como El Grito de Edvard Munch alcanzan cifras estrambóticas en un mercado, que de amplitud y apertura no tiene nada, sino que es estrictamente elitesco. Pero las preocupaciones no son solo por la cantidad por la cual se la llevó el comprador (unos 120 millones de dólares). El grito fue distinto: quién sabe en qué sala quedará, lejos de muchos que quisieran verla. Lejos, mejor dicho, de las paredes de un museo.

El arte hoy día, sobre todo en Europa, ha logrado mimetizarse de un modo tan sutil, dentro del sistema mercantil que predomina en nuestros tiempos, que llega un momento en que, pensar en coleccionar arte suena como una actividad absurda e ilógica, sobre todo si la comparamos con el costo que alcanzan las obras contemporáneas en el actual sistema de galerías donde se subastan las obras. En este escenario entraría muy acorde la frase de Ana M. Preckler sobre el absurdo: "el absurdo es aquello que rompe la línea de la lógica vital, que distorsiona el equilibrio de lo sensato, que trastorna el orden de los usos adquiridos". Y es que pensar en la función del museo y compararla con los métodos mercantilistas con que operan las galerías privadas, es simplemente un trastorno a la lógica vital de la cultura. El arte entonces, ¿esta asumiendo posturas Neo liberales; está infiltrándose en el sistema económico capitalista?.

Miguel Brieva (humorista español, 1974 ) en una entrevista respondiendo a la pregunta sobre si ¿Creia que el modelo económico actual es nocivo para la expresión artística? afirmaba que: El modelo económico actual es claramente nocivo para cualquier área de la actividad humana salvo para la puramente económica o financiera, o la del ejercicio abierto de la violencia. Y es que "en el terreno de la imaginación, el cómputo es muy desalentador".

Los museos mantienen una característica especial que es la de ser instituciones sociales.

EL ABSURDO EN EL ARTE. Ana María Preckler

El absurdo es aquello que rompe la línea de la lógica vital, que distorsiona el equilibrio de lo sensato, que trastorna el orden de los usos adquiridos.

Aquello que sorprende por lo inusual o atípico, por el escándalo o la anomalía que produce. En ciertos casos puede rayar en lo patológico o anormal, y en lo estrambótico. Según el diccionario de María Moliner, el absurdo es lo contrario a la lógica o a la razón. Una cierta dosis de absurdo puede ser divertida; puede hacer gracia si es irónica o mordaz; pero si se mantiene mucho tiempo llega a cansar, y si se realiza en un ámbito inapropiado puede producir rechazo. El absurdo en definitiva rompe el orden establecido. Todo depende del orden que rompa y del sentido del humor con que se realice. Hay cosas que merecen siempre un respeto. Pero si se efectúa con crítica y mordacidad inteligente puede ser aceptable y enriquecedor en determinadas situaciones y ocasiones. Si el absurdo siempre existió en la vida, no lo es tanto el que existiese en el arte. Hasta llegar al siglo XX, en el que una de las vanguardias históricas más transgresoras, el Dadaísmo, y a continuación el Surrealismo, lo introdujeron como materia y forma artística, y como característica principal de sus estilos. El Dadaísmo utilizó el absurdo como detonante crítico contra el absurdo de la guerra y más concretamente de la Primera Guerra Mundial. El Surrealismo lo utilizó para plasmar el subconsciente humano, descubierto por Freud en los tres estratos psicológicos del hombre, el “Ego”, el “Superego”, y el “Subconsciente”; siendo este último, en contraposición a los otros dos estratos, caracterizado por el absurdo, la irrealidad o realidad distorsionada, la ausencia de una moral, la carencia de voluntad y la falta de un razonamiento consciente. El absurdo se hace especialmente patente en los sueños y en la libido, de ahí que sean estos dos temas los más utilizados en el Surrealismo. Su cuestionamiento como arte está hoy fuera de duda, pues lo que en los años veinte podía ser revulsivo, repelente, libidinoso o procaz, hoy apenas ofende, dada la cantidad de extralimitaciones y barbaridades artísticas que se han producido posteriormente. Por otro lado, el Dadaísmo no siempre ha resultado disparatado e insolente, muchas veces ha sido arte-arte, innovador y descubridor de nuevas rutas artísticas, como en el caso de Arp o Schwitters, representantes respectivos del dadaísmo de Zurich y Hannover, los cuales aportaron al Dadaísmo la grandeza que posiblemente elevó el estilo a la categoría de vanguardia.  

El Surrealismo, por su parte, ha sido uno de los estilos más atractivos y demandados por el espectador, acaso precisamente por plasmar ese inconsciente ilógico y absurdo que todos llevamos dentro. Si el Dadaísmo fue un estilo precursor del Surrealismo, el primero nació en 1916 y el segundo en 1925, el Surrealismo tuvo dos expresiones formales de diferente naturaleza, la figurativa y la abstracta, y tanto en una como en otra tuvo su influencia la corriente Dadá. El Dadaísmo, por tanto, es una de las vanguardias más subversivas y también menos conocidas; surgió en el año 1916, durante el transcurso de la Primera Guerra Mundial, en el café Voltaire de Zurich; fue fundado por el poeta y músico alemán Hugo Ball y denominado intencionadamente con el nombre del sarcástico literato francés. En dicho café se harían unas tertulias de artistas, intelectuales y literatos, casi todos emigrados de la guerra, de donde saldría el grupo Dadá. Entre sus componentes se encontraban Tristan Tzara, poeta rumano que escribirá el manifiesto ideológico del grupo, el pintor y escultor Hans Harp y su esposa Sophie Taeuber-Arp, el pintor y escultor Marcel Janko, los escritores alemanes Richard Hülsenbeck y Hans Richter (el primero, autor del Almanaque Dadá, y el segundo, del ensayo Dadá. Arte y Antiarte, 1964), etc. Para denominar al grupo sus componentes eligen al azar en un diccionario Larousse la palabra “dadá”, que significa caballito en francés, demostrando con ello, desde su inicio, el predominio del absurdo, del azar y de la ilógica en su arte. Desde Zurich, el Dadaísmo se extiende a otras ciudades centroeuropeas y a Norteamérica (en este último país a través de Duchamp y Picabia), conformándose así grupos dadaístas autónomos, siendo los más relevantes, además del de Zurich, el de Hannover, el de Colonia, el de Berlín, y el de Nueva York.

Con amarillo y mierda: el excremento en el arte.

"Mi intuición me dice que, si se lograra dotar al excremento humano de la fluidez de la miel, la vida del hombre se prolongaría, dado que el excremento (a juicio de Paracelso) es el hilo de la vida". Dalí

Muchos ignoran, que algunos personajes del arte en su momento manifestaran ciertas inclinaciones escatológicas en su trabajo o en sus ideas a lo largo de su carrera como artistas, consiguiendo mirar en aquellos desechos orgánicos de nuestros cuerpos, un producto manifiesto de orden supremo que provenía, mucho más allá de las puras necesidades fisiológicas del hombre; quizás por irreverencia, por mero sentido de irrupción; quien sabe si solo por agregar un toque de juerga o travesura a las extrañas sacralizaciones que se hicieron, por parte de los admiradores, de todo su trabajo y hasta de su persona, como artista. Y no es un asunto propio de estos últimos tiempos, el tomar un tema tan reprimido moralmente, y que además se le cataloga de impúdico, toda referencia directa que se haga sobre este asunto en público, volviéndose un contenido de blasfemia moral en nuestra cultura occidental.

Nuestra historia tiene muchos antecedentes en relación al tema, y en donde las consideraciones morales eran muy distintas, en algunos casos por ejemplo, se hacían asociaciones directas con el mineral más preciado por el hombre, como lo es el oro. Los aztecas por ejemplo concebían el oro como el excremento del sol –el sol era para ellos una divinidad- cito: "cuando el astro la expulsa, la energía solar se solidifica en metal resplandeciente. Residuo digestivo, desecho, inmundicia, se sacralizan". Otra analogía de este desecho orgánico se da en la antigua Babilonia, donde una inscripción calificaba al Oro como el "excremento del infierno". Y de la misma manera, una importante tradición cristiana consideraba al oro como el "estiércol de Satanás", mostrando entonces, una especie de analogía dialéctica entre el oro y el estiércol. 

Más adelante, en el psicoanálisis, la aparición de las heces se asocia e interpreta directamente con el dinero, mientras que en algunas supersticiones populares, es común que el hecho de pisar realmente excremento se convierte en un presagio de buenaventura. Así mismo como el estiércol es utilizado como abono para hacer la tierra más fértil, y por lo tanto, esta relacionado con el crecimiento y con la generación de una nueva vida. Quizás de ahí provenga la frase de Reverón “yo pinto con amarillo y mierda”, ¿quería entonces dar a mostrar el pintor de la luz, su estrecha relación directa con la tierra, o su estrecho apego por las ideas de buenaventura que se asocian con el excremento?

Diversas Actividades para celebrar el Día del Artista Plástico Nacional

A partir de 1983, cada 10 de mayo se celebra el Día Nacional del Artista Plástico en conmemoración del natalicio hace ya 123 años (1889), del pintor de la luz, Armando Reverón, uno de los más grandes hombres que conforman el legado artístico y cultural de nuestro país. Y como no es para menos, todo el país estará sumergido en una fiesta cultural para celebrar esta fecha, pues desde hace unas semanas se han estado  divulgando a través de los medios, las diversas actividades que se tienen preparadas para este jueves.
Para conmemorar este día El Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (CELARG) tiene preparada un ciclo de charlas y conferencias con diversos autores de la plastica nacional e internacional. Para este Martes 8 de mayo a las 5:30 pm. el "Conversatorio Poder e identidad: Fotografía y cuerpos políticos", con el profesor Francois Soulages de la Universidad París 8.
El Miércoles 9 de mayo el "Conversatorio Nuevos eventos para el Nuevo siglo" con el artista y docente Zacarías García, a partir de las 5:OO pm. para el jueves de mayo el "Conversatorio Armando Reverón… ¿Fue un socialista?, con el profesor Luis Delgado Arria a partir de las 5:00 pm. y ese mismo día el "Performance Dibujos nocturnos" de la artista Andrea Posani a las 7:00 pm y para cerrar las actividades el día Viernes 11 de mayo, a las 5:00 pm el "Conversatorio Antecedentes de la exposición grandes formatos" con los Ponentes Susana Suniaga y Francisco Martín. todas estas actividades con ENTRADA GRATUITA.

El conversatorio - Seminario: "Poder e Identidad. Fotografía y cuerpos políticos" del profesor Francois Soulages de la Universidad París 8. será dictado de igual modo en el Museo Universitario Jacobo Borges ubicado al Oeste de Caracas, a las salidas del metro Gato Negro, los dias miercoles 9 y jueves 10 de mayo a partir de las 10:00 am, Dirigido a Fotógrafos y estudiantes de fotografía y Artes, completamente gratuito realizando el proceso de inscripción previamente, a través de los teléfonos: 0212 862.04.27 / 0212 862.81.01. 

Soulages es un destacado filósofo y teórico de la fotografía de reconocido internacionalmente. Es catedrático en la Universidad París 8 y del Instituto Nacional de Historia de Arte. Director del Laboratorio y Unidad de Investigación EA 4010; integra el equipo de Artes de la Imágenes y Arte Contemporáneo (AIAC), del grupo de investigación Estética, práctica e historia del arte (EPHA); del programa de Máster Fotografía y Arte Contemporáneo y del Grupo de Investigación (PEI), Filosofía y Estética del Imagen y del Grupo Retina. Y el "Conversatorio: Una mirada al arte contemporáneo en Venezuela". Desde el creador y el investigador. en el mismo museo a partir de las 10:00 am el mismo jueves 10 de mayo con

Cádiz, una plataforma para la Danza Contemporánea

La ciudad de Cádiz en España aspira convertirse en junio en una plataforma internacional para el mundo de la danza contemporánea con dos festivales, "Cádiz en Danza" y "MOV-S", que este año se unen para abrirse a la experiencia de los creadores iberoaméricanos y potenciar la visibilidad y sostenibilidad del arte en movimiento.

En el año en el que Cádiz es la Capital Iberoamericana de la Cultura, la ciudad da un nuevo impulso a "Cádiz en Danza", que este año cumple su undécima edición y acoge la cuarta edición del encuentro MOV-S, una cita que impulsa y organiza el Mercat de les Flores de Barcelona, una de las instituciones de referencia nacional para este tipo de artes escénicas.

Siguiendo su tradición itinerante que ha llevado sus anteriores ediciones a Barcelona, (2007), a Pontevedra (2008) y a Madrid (2010), el encuentro del arte en movimiento se traslada este año a Cádiz para incrustarse en la programación del festival "Cádiz en Danza" entre los días 8 y 17 junio.

Un total de 48 espectáculos procedentes de diez países llevarán a los teatros y espacios públicos de la ciudad, desde las plazas a la playa de La Caleta o el Oratorio San Felipe Neri, las últimas tendencias y propuestas del lenguaje de la danza de artistas europeos e iberoamericanos, en una cita a la que está previsto que acudan más de 200 programadores, pensadores y gestores culturales.

El MOV-S llega a Cádiz bajo el lema "Acuerdos Posibles", buscando fórmulas que sirvan de comunicación, apoyo y difusión para los artistas del sector y para culminar un trabajo de debates que lleva ya aproximadamente un año en la red.

"Nos hemos inspirado en cómo se gestó la Constitución de Cádiz de 1812 (cuyo bicentenario se celebra este año). La gente elegía unos representantes para que vinieran aquí a expresar sus ideas y a buscar pactos. Ahora hemos utilizado las tecnologías que tenemos para hacer algo parecido", ha explicado hoy en Cádiz Francesc Casadeús, director del Mercat de les Flors.

Marina Abramovic quiere crear centro de performances en NY

La artista Marina Abramovic planea construir el centro de arte con un valor estimado de 15 millones de dólares en el norte del estado de Nueva York que se dedicará a la investigación y producción de performances de larga duración. así como de otras manifestaciones que rodean a este tipo de arte.

Con diseño en mano la creadora del Instituto presentó su propuesta para la Preservación del Arte Performance en MoMA PS 1, en una de las más antiguas instituciones de arte contemporáneo sin ánimo de lucro, ubicada en Long Island City, en Queens.

A través de una entrevista telefónica Abramovic dijo la semana pasada que la firma de arquitectos OMA transformará un viejo centro de tenis en Hudson, Nueva York, a unas dos horas al norte de la ciudad, en un edificio de 2,136 metros cuadrados (23 mil pies cuadrados) con rampas, iluminación y muebles especiales, como sillas equipadas con ruedas para los visitantes que se duermen durante las largas presentaciones.

Se espera que la construcción comience a finales del próximo año. Su inauguración está prevista para finales del 2014.

Abramovic, de 65 años, dijo que el instituto será un centro de artes y escuela para performances efímeros que incluyan videos, ópera, cine, danza y teatro en un ambiente que borra el límite entre el artista y el espectador: ambos usarán batas blancas de laboratorio e interactuarán constantemente.

"Ante la larga duración de las obras, los visitantes cansados o que sucumban al sueño en las "sillas de duración" reclinables serán trasladados por un asistente a una zona para dormir y devueltos a la sala del performance cuando despierten", dijo la artista.

Abramovic es famosa por tratar de romper los límites de su resistencia mental y física como una forma de expandir sus sentimientos y temores más profundos, y a veces los de su público.

¿Enseñanza del Arte, un fraude? Luis Camnitzer

"La definición del arte es otro problema. Me gusta pensar que cuando se inventó el arte como la cosa que hoy aceptamos que es, no fue como un medio de producción sino como una forma de expandir el conocimiento".

El siguiente texto fue publicado por el mismo autor. Nos manifiesta su tesis sobre el panorama actual en el que se encuentran sumergidos los estudios formales de Artes; dice así:

Quiero comenzar esto con dos afirmaciones pedantes y negativas. Una es que el proceso de educación de los artistas en el día de hoy es un fraude. La otra es que las definiciones que se utilizan hoy para el arte funcionan en contra de la gente y no a su favor.

La parte del fraude está en la consideración disciplinaria del arte, que lo define como un medio de producción. Esto lleva a dos errores:

El primer error es la confusión de la creación con la práctica de las artesanías que le dan cuerpo. El otro error es la promesa, por implicancia, que un diploma en  arte conducirá a la posterior supervivencia económica.

La educación formal del artista sufre de las mismas nociones que imperan en las otras disciplinas: que la información técnica sirve para formar al profesional y que después de adquirir esta información uno podrá mantener una familia. En los Estados Unidos, en donde la educación no es un derecho sino un producto comercial de consumo, esta situación es llevada al nivel de caricatura obscena. La inversión económica para recibir el diploma final de maestría, el Master of Fine Arts, en una universidad decente es de unos 200.000 dólares. Al final de este gasto, la esperanza es vender la obra producida o enseñar a las generaciones venideras. Aun si esto no es literalmente así en otros países, el concepto probablemente funciona en todo el mundo.

En los 35 años que estuve enseñando a nivel universitario en los EEUU, probablemente tuve contacto con alrededor de 5000 estudiantes. De ellos calculo que un 10%, unos 500, tenían la esperanza de lograr el éxito a través de muestras en el circuito de galerías. Quizás una veintena de ellos lo haya logrado. Esto significa que 480 terminaron con la esperanza de vivir de la enseñaza. No sé cuantos lograron conseguir un puesto de profesor. Pero sí puedo sacar la cuenta que si 5000 estudiantes fueron necesarios para asegurar mi salario y luego mi bienvenida jubilación, esos 480 estudiantes necesitan una base estudiantil de 240.000 para sobrevivir. Y si seguimos el cálculo hacia las generaciones siguientes, rápidamente llegaremos al infinito.

Naoshima, Japón: incubadora del Arte Contemporáneo.

Las modestas dimensiones geográficas de Japón se contradicen con el esplendor, la intensidad y variedad del talento que lo habita. Esta isla es un gran templo consagrado a la arquitectura y la pintura.

Si el Japón de hoy es una meca de la vanguardia, la isla de Naoshima es su templo mayor. 

Para llegar hasta allí hay que utilizar trenes, buses y hasta un ferry, pero... ¿cuándo se ha visto un peregrinaje fácil? Ubicada en el mar interior de Seto, al sur del archipiélago, Naoshima es una incubadora del arte contemporáneo. 

Un lugar donde la naturaleza y la cultura se conjugan para formar un universo fantástico, habitado aún por los espíritus de sus arquitectos y artistas. 

En 1992 la Benesse Corporation, editorial de educación nipona, junto con el reconocido arquitecto minimalista Tadao Ando abrieron las puertas de la Casa Benesse, complejo cultural que contiene un museo y un hotel. 

Los huéspedes de la Casa Benesse tienen el privilegio de visitar el museo incluso luego de cerrar sus puertas al público. Es posible caminar a medianoche por sus pasillos y dejarse atrapar por la ansiedad que transmiten los cuadros de Jackson Pollock o sumergiese en el océano misterioso del reconocido fotógrafo Hiroshi Sugimoto. 

El arte de ser danza.

Son 18 personas tendidas en el suelo. No descansan; estudian. Inspiran, exhalan, inspiran, exhalan con fruición. Rotar la pelvis al mismo tiempo esa es la consigna que han recibido  de la experimentada bailarina Lola Lince, quien desde el pasado 30 de abril y hasta el día de ayer impartió en Guadalajara un taller de danza experimental, en el salón de ensayos del Estudio Diana.

Lola Lince está parada y es la única que toma la palabra. Los tendidos en el suelo gimen al ritmo de sus exhalaciones. El aire que entra por sus narices debe ser enviado al vientre, al plexo solar. Aprenden a controlar la respiración y encausarla por todo su cuerpo.

El lugar es frío, pero no impide que los aprendices de Lince suden. Las gotas, productos del esfuerzo físico, han salpicado la frente de cada uno de los bailarines –profesionales, novatos y aficionados- que acudieron a exprimir los conocimientos de la maestra.

Durante tres años, Lola Lince se ausentó de Guadalajara. Recién retornó hace apenas una semana para estrenar su producción "Apuntes de viaje", y de paso, celebrar 20 años de éxito de su compañía de danza experimental nacida en la Perla Tapatía en 1992.

Han transcurrido 26 minutos de lo que es la penúltima clase del taller que inició a las 10:00 horas. Un teléfono celular timbra al interior de un zapato que también está tirado en el piso junto a un par de blusas, pantalones y maletines a la entrada del salón de ensayos.

El cosmos inspira una muestra de arte contemporáneo en el Planetario de Buenos Aires

la Liga Argentina de Artistas Aficionados a la Astronomía (L.A.A.A.A) exhibe el trabajo de artistas locales que investigan y crean obra conceptual a partir de referencias astronómicas.  

El planetario es un proyector de estrellas que recrea un cielo nocturno virtual sobre una bóveda semiesférica pero, al mismo tiempo, un “ideograma arquitectónico”. Una visita lo confirma circular como la naturaleza del tiempo y las estaciones del año. “El objetivo del edificio es albergar al instrumento planetario que simula el avance/retroceso del tiempo para llevar la representación de la bóveda celeste al momento escogido”, según el arquitecto Enrique Jan. La galería que rodea al Planetario Galileo Galilei de Buenos Aires, sobreelevada, también es circular y busca transmitir el espíritu del ideograma. Hasta el 20 de mayo también alberga una muestra de arte: allí se exhiben los trabajos de la Liga Argentina de Artistas Aficionados a la Astronomía(L.A.A.A.A). 

Lejos de una coalición de amantes de la Cruz del sur o un colectivo artístico convencional, la “Liga” es una proyecto curatorial independiente del artista Sebastián Desbats. Asiduo asistente a los talleres de divulgación del Planetario y después del IAFE Instituto de Astronomía y Física del Espacio, advirtió entre sus pares intereses en común, “referencias astronómicas” –según las llamó–, de los artistas que incorporaban luego a su obra conceptual.

Tres artistas plásticos venezolanos participarán en la XI Bienal de La Habana

Los astistas plásticos Natalya Critchley, Blanca Haddad y Luis Salazar representarán a Venezuela en la XI Bienal de La Habana, titulada este año Prácticas artísticas e imaginarios sociales, que tendrá lugar del 11 de mayo al 11 de junio de este año en Cuba.

En esta oportunidad, la bienal abordará el tema de las distintas acepciones de lo "lo público teniendo en cuenta las intervenciones en los espacios urbanos, los proyectos de carácter interactivo, lúdicos, multidisciplinarios, los procesos de inserción social y de trabajo en las comunidades", informó el Instituto de las Artes, la Imagen y el Espacio (Iartes) en una nota de prensa.

Angola, Argentina, Brasil, Colombia, Egipto, Surinam, Rusia, Chile, China, Austria, Canadá, República Dominicana, Venezuela y más de 100 países compartirán técnicas y visiones sobre el arte.

Luis Salazar, nacido en Caracas, participará con la instalaciónAcampando en el paraíso con la finalidad de introducir a los asistentes en cuatro espacios de interacción creativa. En la primera sala el artista repartirá un tradicional "raspao" al público, acompañado con mensajes ecologistas, para posteriormente animarlos a elaborar dibujos o mensajes sobre el medio ambiente, en el segundo espacio. En el tercer ambiente habrá una hamaca, junto a un penetrable, con frutas que se irán descomponiendo.

"Mi obra es una denuncia sobre la destrucción del planeta y una visión del rol del artista en los tiempos que vivimos. Ya basta del arte adorno, los artistas deben ser activistas sociales", considera.

Este caraqueño ha participado en exposiciones colectivas comoDesconfía, en 2006, en la Oficina #1 del Centro de Arte Los Galpones; en el centro cultural Casa Villarivello expuso Casa de locos, en marzo de 2012 y en junio de este año repetirá Acampando en el paraíso en el Museo de Arte Contemporáneo.

La artista caraqueña Blanca Haddet irrumpirá en la bienal utilizando correas como herramientas para pintar, en una performance llamadaNada es eterno, que aborda el tema de la violencia a través de los roles masculinos y su relación e interpretación por la mirada femenina.

Roger von Gunten habla sobre conciencia social del arte

El escultor suizo Roger von Gunten señala que el colectivo artístico 'Haz caso a tu corazón', "abarca a todo mundo, es totalmente incluyente".     

El pintor y escultor Roger von Gunten (Zurich, Suiza, 1933) nacionalizado mexicano y radicado ya en el Pueblo Mágico de Tepoztlán, expresó hoy su manera de pensar en torno a la“Conciencia social del arte”, título de su conferencia en la Fundación Sebastián por sus XV años.

Señaló que el colectivo artístico “Haz caso a tu corazón”, que él apoya, es un claro ejemplo de la conciencia social que tiene y mantiene el arte. “Abarca a todo mundo, es totalmente incluyente, no hay buenos ni malos, ni amarillos, ni verdes, ni azules, ni rojos; aquí están quienes hacen caso a su corazón”, dijo.

Antes de ofrecer su charla en la Fundación Sebastián, Von Gunten estuvo en el proyecto de arte público para que artistas, colectivos, grafiteros y quien así lo deseara, expresara su sentir ante la violencia actual, con la intervención artística de 500 cilindros, de 1.5 metros de alto y 40 centímetros de diámetro.

Cada pieza, llamada “Faro de paz”, fue tocada por los artistas profesionales, incipientes y totalmente neófitos, niños, jóvenes, adultos y adultos mayores, quienes decidieron utilizar la metáfora “Haz caso a tu corazón”, símbolo de la necesidad de escuchar el pulso de una vida colectiva, consciente y creativa.

El arte de los venezolanos se cotiza en las subastas internacionales

EL UNIVERSAL.- Según el Diario El universal las obras de artistas nacionales a pesar de que no alcanzan los límites de un Munch o un Picasso, las casas subastadoras han colocado a los autores nacionales en la mira de los inversionistas del arte. Un estudio hecho por este diario nos muestra las obras más cotizadas en los últimos años.

"El niño enfermo" (1887) de Arturo Michelena es la obra venezolana que mejor se ha vendido: un coleccionista privado pagó 1.352.000 dólares por este cuadro, en el año 2004.















"La fiesta", de Marisol Escobar, se vendió en 2005 por 912 mil dólares, en una puja de Sotheby's en Nueva York. Se trata de un conjunto de quince esculturas de gran formato.











"Paisaje de Macuto" de Armando Reverón, fue subastada en 2007 por Sotheby's, y alcanzó el precio de 529 mil dólares. Con anterioridad se había vendido en 456 mil dólares.














Gertrude Goldschmit, mejor conocida como Gego, logró que una pieza suya, "Retícula cuadrada" (1972) se vendiera en 411.200 dólares, el 10 de noviembre de 2004, mediante una puja llevada a cabo por Sotheby's.