Controvertido proyecto de arte en Alemania

Berlin, Alemania.- Dos artistas alemanes hicieron un polémico experimento en Berlín que llevó al límite el funcionamiento de la democracia, que incluyó un llamamiento público a decidir la vida de una oveja llamada Norbert, lo que desató un gran escándalo.

Los artistas Iman Rezai y Rouven Materne, estudiantes de maestría de la Universidad de las Artes en Berlín, construyeron la obra “La guillotina” en colores brillantes e hicieron un llamado público en Internet a decidir sobre la vida del animal.

El ensayo desató una ola de atención mediática, pero también numerosas protestas.

Filthy Luker: Vida inflable invadiendo lo urbano.

El colectivo británico Filthy Luker realiza llamativas obras de arte con esculturas gigantes inflables.

Exhibiciones artísticas cada vez más alternativas y atractivas. ¿Se imaginan un gigantesco pulpo invidiendo su casa o unos conos de tráfico que cobran vida? Son algunas de las iniciativas que han creado los dos artistas británicos Luke Egan y Pete Hamilton también conocidos como Filthy Luker. El Circo del Sol ha contado con ellos el algunos de sus espectáculos. Uno de sus últimos trabajos ha sido trasformar una fachada de un edificio en un inmenso vídeojuego.

Aire, tela hinchable y... de repente un edificio es atacado por un pulpo gigante. Enormes tentáculos verdes que también se han visto en trampolines de piscinas o fuentes públicas.

 Nuestras obras son chistes llevados demasiado lejos”. Así definen sus intervenciones los artistas británicos Filthy y Luker. Comenzaron a trabajar en 1996 y los ingredientes principales de su trabajo son el aire, la luz, el tejido sintético, mucha imaginación y sobre todo humor. Ambos poseen una empresa llamada Diseños en el aire con la que, junto al también artista Pedro Estrellas (que realmente se llama Peter Stars) crean esculturas inflables y luminosas que alquilan

 o venden para eventos de empresas. Pero lo más interesante son sus apariciones espontáneas y públicas que realizan por diversas ciudades del mundo desde hace años. Así han logrado convertir todo un barrio en el fondo del mar, han transformado el enorme lado del andamio de una obra en un juego de marcianitos o han metido un pulpo gigante en edificios de más de cinco plantas.

La Galería y el Museo hoy día.

El modelo económico actual es claramente nocivo para cualquier área de la actividad humana salvo para la puramente económica o financiera.

Hay inquietudes que surgen en momentos como los de hoy día cuando obras maestras como El Grito de Edvard Munch alcanzan cifras estrambóticas en un mercado, que de amplitud y apertura no tiene nada, sino que es estrictamente elitesco. Pero las preocupaciones no son solo por la cantidad por la cual se la llevó el comprador (unos 120 millones de dólares). El grito fue distinto: quién sabe en qué sala quedará, lejos de muchos que quisieran verla. Lejos, mejor dicho, de las paredes de un museo.

El arte hoy día, sobre todo en Europa, ha logrado mimetizarse de un modo tan sutil, dentro del sistema mercantil que predomina en nuestros tiempos, que llega un momento en que, pensar en coleccionar arte suena como una actividad absurda e ilógica, sobre todo si la comparamos con el costo que alcanzan las obras contemporáneas en el actual sistema de galerías donde se subastan las obras. En este escenario entraría muy acorde la frase de Ana M. Preckler sobre el absurdo: "el absurdo es aquello que rompe la línea de la lógica vital, que distorsiona el equilibrio de lo sensato, que trastorna el orden de los usos adquiridos". Y es que pensar en la función del museo y compararla con los métodos mercantilistas con que operan las galerías privadas, es simplemente un trastorno a la lógica vital de la cultura. El arte entonces, ¿esta asumiendo posturas Neo liberales; está infiltrándose en el sistema económico capitalista?.

Miguel Brieva (humorista español, 1974 ) en una entrevista respondiendo a la pregunta sobre si ¿Creia que el modelo económico actual es nocivo para la expresión artística? afirmaba que: El modelo económico actual es claramente nocivo para cualquier área de la actividad humana salvo para la puramente económica o financiera, o la del ejercicio abierto de la violencia. Y es que "en el terreno de la imaginación, el cómputo es muy desalentador".

Los museos mantienen una característica especial que es la de ser instituciones sociales.

EL ABSURDO EN EL ARTE. Ana María Preckler

El absurdo es aquello que rompe la línea de la lógica vital, que distorsiona el equilibrio de lo sensato, que trastorna el orden de los usos adquiridos.

Aquello que sorprende por lo inusual o atípico, por el escándalo o la anomalía que produce. En ciertos casos puede rayar en lo patológico o anormal, y en lo estrambótico. Según el diccionario de María Moliner, el absurdo es lo contrario a la lógica o a la razón. Una cierta dosis de absurdo puede ser divertida; puede hacer gracia si es irónica o mordaz; pero si se mantiene mucho tiempo llega a cansar, y si se realiza en un ámbito inapropiado puede producir rechazo. El absurdo en definitiva rompe el orden establecido. Todo depende del orden que rompa y del sentido del humor con que se realice. Hay cosas que merecen siempre un respeto. Pero si se efectúa con crítica y mordacidad inteligente puede ser aceptable y enriquecedor en determinadas situaciones y ocasiones. Si el absurdo siempre existió en la vida, no lo es tanto el que existiese en el arte. Hasta llegar al siglo XX, en el que una de las vanguardias históricas más transgresoras, el Dadaísmo, y a continuación el Surrealismo, lo introdujeron como materia y forma artística, y como característica principal de sus estilos. El Dadaísmo utilizó el absurdo como detonante crítico contra el absurdo de la guerra y más concretamente de la Primera Guerra Mundial. El Surrealismo lo utilizó para plasmar el subconsciente humano, descubierto por Freud en los tres estratos psicológicos del hombre, el “Ego”, el “Superego”, y el “Subconsciente”; siendo este último, en contraposición a los otros dos estratos, caracterizado por el absurdo, la irrealidad o realidad distorsionada, la ausencia de una moral, la carencia de voluntad y la falta de un razonamiento consciente. El absurdo se hace especialmente patente en los sueños y en la libido, de ahí que sean estos dos temas los más utilizados en el Surrealismo. Su cuestionamiento como arte está hoy fuera de duda, pues lo que en los años veinte podía ser revulsivo, repelente, libidinoso o procaz, hoy apenas ofende, dada la cantidad de extralimitaciones y barbaridades artísticas que se han producido posteriormente. Por otro lado, el Dadaísmo no siempre ha resultado disparatado e insolente, muchas veces ha sido arte-arte, innovador y descubridor de nuevas rutas artísticas, como en el caso de Arp o Schwitters, representantes respectivos del dadaísmo de Zurich y Hannover, los cuales aportaron al Dadaísmo la grandeza que posiblemente elevó el estilo a la categoría de vanguardia.  

El Surrealismo, por su parte, ha sido uno de los estilos más atractivos y demandados por el espectador, acaso precisamente por plasmar ese inconsciente ilógico y absurdo que todos llevamos dentro. Si el Dadaísmo fue un estilo precursor del Surrealismo, el primero nació en 1916 y el segundo en 1925, el Surrealismo tuvo dos expresiones formales de diferente naturaleza, la figurativa y la abstracta, y tanto en una como en otra tuvo su influencia la corriente Dadá. El Dadaísmo, por tanto, es una de las vanguardias más subversivas y también menos conocidas; surgió en el año 1916, durante el transcurso de la Primera Guerra Mundial, en el café Voltaire de Zurich; fue fundado por el poeta y músico alemán Hugo Ball y denominado intencionadamente con el nombre del sarcástico literato francés. En dicho café se harían unas tertulias de artistas, intelectuales y literatos, casi todos emigrados de la guerra, de donde saldría el grupo Dadá. Entre sus componentes se encontraban Tristan Tzara, poeta rumano que escribirá el manifiesto ideológico del grupo, el pintor y escultor Hans Harp y su esposa Sophie Taeuber-Arp, el pintor y escultor Marcel Janko, los escritores alemanes Richard Hülsenbeck y Hans Richter (el primero, autor del Almanaque Dadá, y el segundo, del ensayo Dadá. Arte y Antiarte, 1964), etc. Para denominar al grupo sus componentes eligen al azar en un diccionario Larousse la palabra “dadá”, que significa caballito en francés, demostrando con ello, desde su inicio, el predominio del absurdo, del azar y de la ilógica en su arte. Desde Zurich, el Dadaísmo se extiende a otras ciudades centroeuropeas y a Norteamérica (en este último país a través de Duchamp y Picabia), conformándose así grupos dadaístas autónomos, siendo los más relevantes, además del de Zurich, el de Hannover, el de Colonia, el de Berlín, y el de Nueva York.

Con amarillo y mierda: el excremento en el arte.

"Mi intuición me dice que, si se lograra dotar al excremento humano de la fluidez de la miel, la vida del hombre se prolongaría, dado que el excremento (a juicio de Paracelso) es el hilo de la vida". Dalí

Muchos ignoran, que algunos personajes del arte en su momento manifestaran ciertas inclinaciones escatológicas en su trabajo o en sus ideas a lo largo de su carrera como artistas, consiguiendo mirar en aquellos desechos orgánicos de nuestros cuerpos, un producto manifiesto de orden supremo que provenía, mucho más allá de las puras necesidades fisiológicas del hombre; quizás por irreverencia, por mero sentido de irrupción; quien sabe si solo por agregar un toque de juerga o travesura a las extrañas sacralizaciones que se hicieron, por parte de los admiradores, de todo su trabajo y hasta de su persona, como artista. Y no es un asunto propio de estos últimos tiempos, el tomar un tema tan reprimido moralmente, y que además se le cataloga de impúdico, toda referencia directa que se haga sobre este asunto en público, volviéndose un contenido de blasfemia moral en nuestra cultura occidental.

Nuestra historia tiene muchos antecedentes en relación al tema, y en donde las consideraciones morales eran muy distintas, en algunos casos por ejemplo, se hacían asociaciones directas con el mineral más preciado por el hombre, como lo es el oro. Los aztecas por ejemplo concebían el oro como el excremento del sol –el sol era para ellos una divinidad- cito: "cuando el astro la expulsa, la energía solar se solidifica en metal resplandeciente. Residuo digestivo, desecho, inmundicia, se sacralizan". Otra analogía de este desecho orgánico se da en la antigua Babilonia, donde una inscripción calificaba al Oro como el "excremento del infierno". Y de la misma manera, una importante tradición cristiana consideraba al oro como el "estiércol de Satanás", mostrando entonces, una especie de analogía dialéctica entre el oro y el estiércol. 

Más adelante, en el psicoanálisis, la aparición de las heces se asocia e interpreta directamente con el dinero, mientras que en algunas supersticiones populares, es común que el hecho de pisar realmente excremento se convierte en un presagio de buenaventura. Así mismo como el estiércol es utilizado como abono para hacer la tierra más fértil, y por lo tanto, esta relacionado con el crecimiento y con la generación de una nueva vida. Quizás de ahí provenga la frase de Reverón “yo pinto con amarillo y mierda”, ¿quería entonces dar a mostrar el pintor de la luz, su estrecha relación directa con la tierra, o su estrecho apego por las ideas de buenaventura que se asocian con el excremento?