ULISES FIGUEROA: La dialéctica de valores en nuestra sociedad.

Ulises Figueroa (Mexico, 1977). El artista reflexiona sobre las nociones de la representación, lo natural y lo artificial, desde una perspectiva que contempla el carácter lúdico de las investigaciones científicas y una mirada crítica a la forma de relacionarnos con el medio ambiente, es que, a diferencia de las representaciones científicas que exhibe un museo de historia natural, el artista muestra al reino animal en proceso de desintegración y en estado de catástrofe.. Los materiales utilizados son, en su mayoría, objetos encontrados en el espacio público, incluyendo osamentas de perros y gatos. También trabaja con materiales de desecho, desperdicio y basura, elementos que hacen referencia a una relación problemática del hombre con la naturaleza, por lo que las piezas no están exentas de un comentario personal hacia la situación actual de la naturaleza y el medio ambiente.

La obra del artista es escultura contemporánea que recurre a objetos encontrados y ensambles a partir de los mismos. La obra, también hace notar el ciclo natural de la vida y las cosas, el desgaste como un proceso natural, principio y fin.

SOBRE EL AUTOR:

Me llamo Ulises, soy artista. Sé que el concepto artista está muy desprestigiado gracias a los "actores" y "cantantes" de televisa pero intenten imaginarme más por la onda o el gremio de un grupo de rock "bueno", aunque tal vez no muy popular, o por lo menos no producto de una industria que sólo busca el enriquecimiento económico, sino de un banda de músicos comprometidos con el cambio, la innovación, la confrontación con valores impuestos, la rebeldía… en otras palabras, intento ser de ese tipo de personas que buscan cambiar el mundo, y tal vez no necesariamente desde el enfoque socio-económico (la eterna lucha del Siglo XX entre capitalistas y socialistas, por decir algo), sino desde un punto más individual, pero con esto no quiero decir individualista, siempre he creído que la política va implícita con el hecho en sí de ser artista, ya si después tus temas son de corte político o social, pues es un plus o un adjetivo. Por ejemplo, para algunos compañeros el hecho de estudiar arte ya implicaba una cierta confrontación con las expectativas de sus padres quienes vivían, o viven, en el engaño de que ciertas profesiones te garantizan en éxito en la vida.

Shintaro Ohata: Pinturas que cobran vida al estilo Manga

Shintaro Ohata es un artista japonés conocido por su estilo característico: esculturas puestas enfrente de pinturas para crear muestras artísticas en dos y tres dimensiones. Las pinturas de este artista japonés nos brindan paisajes de la vida cotidiana, transformados para parecer escenas de una película.

Shintaro nació en Hiroshima en 1975 y siempre ha tenido una gran habilidad para capturar la luz del mundo en sus pinturas, con movimientos muy calculados de ésta misma. Combina 2D y 3D creando un conjunto único capaz de captar escenas de la vida cotidiana de una manera cinematográfica. En palabras de Ohata, “cada escenario común en nuestra vida diaria, como la salida del sol, la belleza de un atardecer o un camino pavimentado con asfalto brillante en una noche lluviosa, se convierte en algo insustituible; pensamos que no seríamos capaces de ver más, voy a crear obras para captar las luces en nuestra vida cotidiana".

El particular estilo de Shintaro ha logrado causar un efecto positivo en el público japonés. Su peculiar forma de colocar esculturas frente a pinturas, o bien dentro de ellas, logra un efecto visual en el cual la combinación de la pintura y la escultura se manfiesta en una obra multidimensional capaz de atrapar al espectador.

En palabras el artista afirmaba que“Podría traerle más vida y una nueva dimensión a sus pinturas si colocara esculturas frente a los cuadros“, así que se dio a la tarea de trabajar su idea con resultados asombrosos.

Arte Concreto-Invención: Una relectura a la modernidad

Proponen releer la modernidad a través del arte latinoamericano.

“Bolas pequeñas” de Pol Bury. Foto: EFE

El Museo Reina Sofía propone, una relectura de la modernidad a través de los artistas latinoamericanos que se dedicaron a la abstracción geométrica.

Mila Trenas. EFE

“La invención concreta”, que inauguró el pasado jueves la reina Sofía de España, es la primera exposición que se organiza en Europa y la más extensa de las realizada hasta la fecha de esta importante colección.

Alrededor de doscientas obras entre pintura, escultura, instalación, collage y obra gráfica, forman un recorrido en el que se da a conocer un período clave de la modernidad latinoamericana, desde los años treinta hasta la década de los setenta.

Patricia Phelps de Cisneros explicó que el primer cuadro que compró, hace ya treinta años, fue uno del español Manuel Rivera “que tenía todos los aspectos que caracterizan las obras” que después han coleccionado.

Estrecha colaboradora del Reina Sofía con un papel importante en la creación de la Fundación del museo, manifestó su intención de seguir cooperando y ayudar a “llenar vacíos de su colección a través de comodatos (préstamos)”.

Phelps mostró su felicidad por esta exposición y recordó que “el creer en Latinoamérica”, en su cultura, le llevó a iniciar una colección que tiene sede en Nueva York y Caracas, que ha viajado por Sudamérica y Estados Unidos y que ahora llega a Europa de la mano del Reina Sofía, donde se muestra algún artista desconocido “como es el caso de Willys de Castro, una gran sorpresa”.

En junio de 1946, un grupo de jóvenes formaron en Buenos Aires la Asociación de Arte Concreto-Invención, movimiento que se convirtió en uno de los actores más importantes para el desarrollo del arte abstracto en Sudamérica. Según ellos “la batalla librada por el arte llamado abstracto es, en el fondo, la batalla por la invención concreta”.

Comerciar con arte, ¿pedestal o calvario?

La Habana. En su momento lucrativo el mercado de obras de arte puede convertirse en un bumerán debido sobre todo a las dificultades de esas transacciones y la persecución policial.Pese a la crisis financiera mundial, aparecen compradores de arte, tanto de obras contemporáneas como de viejos maestros, que las adquieren en subasta mediante elevadas sumas de dinero.

Para algunos compradores, el arte es un activo siempre presente; los expertos recuerdan que uno de los primeros fondos de este tipo apareció en París, Francia, en 1910, cuando un grupo de amantes de las buenas obras invirtió 750 francos, suma ínfima, en la adquisición de piezas de Picasso y Matisse.

Esas mismas obras las venderían 10 años más tarde por 100 mil francos, operación que motivó la idea de la rentabilidad del arte como un negocio.

Entre los ejemplos recientes: el guitarrista Eric Clapton vendió una pintura del artista alemán Gerhard Richter por 30 millones de dólares, 10 veces más que lo pagado por ella.

Solo en 2011, el comercio de obras de arte alcanzó los 60 mil millones de dólares, una parte en subastas y la otra en ventas privadas.

DE ROBOS Y VENTAS 

A este mercado se agregan los robos, organizados por personas u organizaciones criminales a razón de nueve de cada 10 ocasiones, que aunque emplean numerosos recursos y dinero en realizar la fechoría, luego se convierte en una calamidad el tratar de vender esas pinturas.

Hay que tener en cuenta las técnicas empleadas, elementos indispensables para seguir las pistas, como es el caso de los impresionistas, quienes emplearon pigmentos en aceite, muy novedoso para su momento.

Emma Elinor Cesín: Los espacios ganados en las artes y la cultura no deben perderse.

La rectora de la Universidad Nacional Experimental de las Artes, Emma Elinor Cesín ofreció esta semana una entrevista para el diario El Universal, en el cual parece apostar por un diálogo menos radical cuando se trata del tema de las artes y de la cultura. 

Quien hacía ya más de un año afirmaba que “Ocupar el edificio donde por tantos años se aferraron las ‘vacas sagradas’ para defender a las élites de las artes, no era una tarea nada fácil, hoy asume una postura y un discurso menos extremista; quizás las líneas de acción han sido cuestionadas y debemos tomar un rumbo de apertura. Y es que en la época de cambios que estamos viviendo, sobre todo en el ámbito cultural, no es para menos afirmar que podría ser este el comienzo para un capitulo en el Arte nacional, donde prive el debate y el consenso.

Aquí les dejo el Artículo publicado por el Universal el día lunes 05 de noviembre del 2012...

"Arte Contemporáneo en América Latina". Carina Santana y el grupo Tramas.

Quienes integramos el Grupo TRAMAS abordamos el arte a través de la didáctica, investigación y producción desde América Latina: testimonio cultural que construye nuestra identidad. 

Carina Santana

Con la idea de comenzar a llenar un vacío en la enseñanza formal de arte, enfocada mayormente en Estados Unidos y Europa, la artista y educadora brasileña Carina Santana publicó "Arte contemporáneo en América Latina", un libro que recupera obra de los artistas contemporáneos más destacados del continente. 

"La edición de Novedades educativas es un comienzo -dice-. Hacen falta muchas vidas trabajando en arte-educación y aún así movilizar mucha gente en el camino para llenar ese vacío. Si el arte de América Latina no se enseña en universidades a profundidad, ¿cómo puede llegar a las escuelas?", pregunta, y aclara al respecto: "Una cosa es la situación del arte contemporáneo latinoamericano en el mercado y otra muy distinta su inserción en la enseñanza formal".

Según Santana, "en América Latina se produce muchísimo, no solo en artes visuales, también en música, cine, literatura, danza y teatro, un universo que todavía requiere de esfuerzo para acceder porque no se lo presentan en la escuela".

Los adolescentes están por su cuenta para enterarse, "acercarse a festivales de cine, visitar bienales, conocer museos no es algo que se proponga en los colegios, son ellos los que deben buscar por Internet si quieren información", asevera.

"Y esa ebullición -indica la autora-, se percibe sobre todo en los circuitos independientes. En Brasil la Casa do Núcleo, por ejemplo, expone mucha obra de argentinos como el Negro Aguirre, Lucas Nikotian y Sebastián Macchi, Aca Seca o Puente Celeste. Hay una movida importante de artistas que van y vienen, pero hay que estar atento para encontrarlos porque esa búsqueda no se facilita desde los centros formales de enseñanza".

El objetivo de esta publicación, entonces, "es acercar al artista al ámbito escolar y mostrar el arduo trabajo que hay detrás del escenario, de la muestra o del libro -sostiene-. Cada obra conlleva un proceso particular, una singular manera de producir, un universo que puede estimular a los adolescentes a ser creativos y entenderse a sí mismos".

Fernando Garcia Dory: Agroecología y Arte ¿Un arte realmente útil?

"No podemos permitirnos crear un arte contemplativo que sea sólo para el disfrute"

¿Pueden el arte contemporáneo, el activismo social y la lucha por mantener con dignidad las labores y la cultura del campo darse la mano? Pueden, y en ninguna persona lo hacen como en Fernando García Dory, un artista difícil de clasificar que el pasado 16 de octubre recibía en Nueva York el prestigioso Premio Leonore Annenberg que otorga anualmente la organización Creative Time por su compromiso social, especialmente con el medio rural y las zonas más despobladas y olvidadas. García Dory, aunque madrileño de 1978, está íntimamente ligado a las comarcas leonesas, no en vano dirige la Escuela de Pastores de Picos de Europa y aquí ha impartido infinidad de charlas sobre trashumancia y relevo generacional en la agricultura y la ganadería.

Fotografía perteneciente al proyecto

‘Una Escuela de Pastores’

Creador del ambicioso proyecto "Campo Adentro", García Dory, que acaba de participar en la última edición de la feria internacional Documenta 13 de Kassel, explicó que haber recibido el Leonore Annenberg ha supuesto para él «un reconocimiento, pues no lo esperaba, y también una responsabilidad. Me ha sorprendido la repercusión que ha tenido. Todo el mundo del arte atiende a las propuestas que se fraguan en en ese campo, y me corresponde ser el primero en la crítica y en la exigencia. No hay soluciones únicas ni fáciles para definir un arte útil hoy».

Pero, ¿un arte útil? ¿A qué se refiere Dory exactamente con esa expresión? «Pienso que a veces se dedica mucha energía a la crítica, protesta, o denuncia, en la forma de reacción a las decisiones que los grupos de poder van tomando —detalla—. De esa forma vamos siempre a la zaga. Si en vez de criticar a los bancos, por ejemplo, pusiésemos en marcha sistemas de crédito e inversión local, y circuitos de comercialización, de pronto se darían cuenta que no tienen ya el poder y apoyo que hasta ese momento les otorgamos». Además «El arte siempre ha tenido una función social, pero en el momento en que vivimos de crisis social y ambiental es más necesario por parte de todos los agentes sociales y culturales esforzarse en buscar y dar un sentido a su actividad. No podemos permitirnos crear un arte sólo contemplativo, que busque el goce de los sentidos y que sea sólo para el disfrute. Es necesario intervenir en el mundo y poner toda nuestra energía en él».